Как я пишу Midi-аранжировки.Мои трудовые будни создания аудио-записи.

 

 

Евгений Бабаев.

Композитор,продюсер муз.студии "KEY" (www.keystudio.narod.ru)

 

 

Данная статья предназначена главным образом как для новичков,пытающихся получить реальные знания по записи  аранжировки,так и для профессионалов,работающих в области звукозаписи.(Некоторые цитаты были взяты из разных статтей,размещенных в Сети)

 

    У меня имеется железный синтезатор с секвенсером для записи инструментов на 16 треков.Можно конечно полностью написать аранжировку только при помощью мышки в каком-нибудь секвенсоре типа Cakewalk,но я предпочитаю совмещать и то и другое.

Основную работу предпочитаю делать на "железе" (запись треков пальчиками),а вот редакцию материала,по понятным причинам, произвожу исключительно средствами компьютерных программ!

    Мои предпочтения-миди редактор Cakewalk Audio Pro 9,аудиоредактор-Cool Edit Pro.Конечно,можно воспользоваться более

продвинутыми программами,напр. миди-аудио редакторами следующего поколения Cakewalk Sonar v.7,Nuendo v.3,Pro Tools,но для

новичков я бы все-таки посоветовал начинать учиться с более-менее софтом по-проще,если можно так выразиться.И эти,две выше

 программы, в полной мере отвечают всем требованиям для записи миди и аудио данных.Вообще выбор оптимального софта-

вопрос риторический.Каждый пробует работать в разных средах,и только после некоторой практики,уже определяет для себя

оптимальный выбор по его вкусу!.Некоторые всю жизнь ищут и не могут найти оптимальный вариант,ведь время не стоит на

месте-каждый год,а то и месяц в сфере программного обеспечения появляется что-то новенькое,так что порой и не поспеваешь

изучить одну программу,как тут-же появляется новая,более продвинутая.Некоторые привыкли "терзать"один и то-же софт

 годами и ни за что не променяют их на новые.Этот подход тоже можно понять,ведь время сейчас-деньги,а досконально изучить

 даже простую программу бывает порой ой как не просто!Кстати,на Западе,многие студийные звукорежиссеры пользуются очень

популярной там прогой "Pro Tools",на платформе MAC,и никоем образом не в Windows!Мне кажется,что Macintosh специально

 создан для творчества.В Америке и Европе,в серъезных студиях, никто не работает на PC!

   Macintosh прост в обращении,он не отвлекает внимание на всевозможные системные неурядицы,универсален в использовании,

а главное-чрезвычайно надежен и в студии,и на концерте,быстрее в плане скорости работы процессора и шины! Ну это все

 "лирика", поговорим о "физике".

        Запись Midi аранжировки начинаю с подбора нужного ритмического рисунка,который "зашит" в память моего синта.Затем

определюсь с темпом будущего произведения.Для удобства,предварительно на листке бумаги,записываю схему будущей

аранжировки,напр:Всупление (Intro),1-й куплет,2-й куплет,припев,небольшой проигрыш,3-й куплет,припев,соло,припев,

концовка (Ending).Это одна из стандартных схем популярной песни.Здесь возможны варианты.

   Далее начинается процесс записи треков (дорожек).Если вы не хотите пользоваться услугами автоматического аккомпанемента,

и быстренько состряпать аранжировку,то при записи барабанов обязательно включите на воспроизведение метроном,ибо высока

вероятность сбиться с ритма.Здесь можно на нескольких треках прописать разные комбинации барабанов.Я советую не писать

на один трек более двух инструментов.Можно записать каждый инструмент на отдельный трек,а затем,после редактирования всех

записанных дорожек,объединить их в один-10 drum-track.Такая возможность в Cakewalk имеется.Так-же и с другими тембрами-если

вы еще только начинающий музыкант,и сложные партии не в состоянии сразу,за один присест сыграть,то пишите хоть по одной

нотки в разных треках,а затем их объединяйте в один.Таким образом начинающий музыкант вполне может записать "Полет шмеля".

 Если предполагается записать партию шестнадцатыми или тридцатьвторыми нотами,то при записи,можно уменьшить темп до

оптимальной величины,чтобы поспеть,а после вернуть темп в исходное,требуемое положение.И не забывайте о "квантизации".

Есть мнение,что квантизирование (выравнивание) инструментов омертвляет аранжировку,но и без нее,какой бы вы не были

прекрасный исполнитель,не сможете точно уложить все ноты в ритм!К этой проблеме нужно подходить рационально!

Я,к примеру,стараюсь по возможности не квантизировать основную,сольную мелодию,придав ей некую "живучесть".

Барабаны-наоборот,требуют точного позиционированияНа мой взгляд-настоящий профессионал тот,который умело отказывается

от квантизирования,нежели искуссно используя эту функцию ИМХО!Мировая компьютерная и околомузыкальная индустрия,

не испытывающая, очевидно, серьезного недостатка в финансовых и кадровых ресурсах, пока не создали по-настоящему

серьезных программных продуктов, обеспечивающих моделирование музыкального исполнения, то есть автоматического

 "введения" в MIDI-файл необходимых команд для создания иллюзии живого исполнения.Исследованием данной проблемы

 занимаются такие известные центры, как CCRMA, IRCAM, IBM Research CMC, Австрийский институт искусственного

 интеллекта, MMM Group (Нидерланды).

   Если вы неплохой пианист то, несомненно, сможете "прописать живьем" многие партии и они будут звучать убедительнее,

чем квантизированные и выровненные по Velocity. Но очень многие нюансы, имеющие место в звучании духовых, струнных,

смычковых и других инструментов, практически не исполнимы даже первоклассным "клавишником".... Вспомним, КАК по

нотам играет живой музыкант. Разве все, что он делает, отражено в партитуре? А как музыкант исполняет произведение "с листа",

которое не слышал и видит в первый раз? Очевидно, что большинство действий музыканта обусловлено его подготовкой,

навыками, музыкальным опытом. Манипуляции музыканта только со стороны могут казаться чем-то механистичным. Он не

 просто воспроизводит ноты, он ИСПОЛНЯЕТ их, делая многое, что никак не указано в нотах! И действительно, если вы,например,

 попробуете запрограммировать соло саксофона в MIDI секвенсоре (со всеми указаниями, сделанными в партитуре композитором

 или редактором), то результат будет очень далек от живого исполнения - почему? Потому, что программа не "исполняет", а только

воспроизводит партию. Где вибрато, где дыхание, акценты, характерные "подъезды" и прочее? И поверьте, дело вовсе не в

стоимости вашей звуковой карты или размера банка звуков. Известно, что даже средние по стоимости модули синтеза могут

воспроизводить множество оттенков звучания, но для этого необходимы соответствующие воздействия, и, отметим (!), как и при

 игре живого музыканта - для каждой ноты. Так вот, решить проблему призваны исследования и программы NTONYX.

   Итак,далее пишем дорожки точно так-же,с другими тембрами,пока аранжировка не приобретет более-менее узнаваемый вид.

В процессе записи трека,на железном синте,можно сразу выставить все значения контроллеров-сустейна,ревербератора,вибрато

 и т.д,но я предпочитаю это делать при окончательном сведении midi файла в XG-редакторе.Возможности любого XG редактора

с лихвой превосходят любой железный синт.Но перед окончательным приведением вашей будущей аранжировки в надлежащий

вид,нужно ее немного"подчистить"в секвенсоре.Для этого загрузим ваш еще "сырой" миди файл в Cakewalk и откроем окно

"Piano roll",где все записанные ноты отображаются в виде прямоугольников и черточек.Не буду описывать принцип работы в

 секвенсоре,это уже другая статья,а скажу только о том,что все действия по редакции материала полностью осуществляются в

 этой программе-от удаления ненужных миди событий (где-то случайно пальчиком задели клавишу на железном синтезаторе,а

здесь инструментом "ластик"спокойно удалили) до прописи динамики каждой партии,вставки системных сообщений для

правильной работы воспроизводящего XG устройства,прописи тегов и т.д.В Сети можно без труда найти множество материалов

 на эту тему.Кстати,на счет записи тегов.Недавно слушал замечательный миди-файл,скачанный недели две назад с портала Midi.ru.

До того мне понравилась аранжировка,что возникло желание пообщаться с автором.На жаль,не были прописаны теги-не указан

автор и т.д.Так что всем советую прописывать в тегах хотя бы свои контактные данные.Вдруг найдется покупатель на ваш

будущий хит,или продюсер,желающий дальше  раскрутить вашу тему!Вы же не откажетесь от этого лесного предложения?

    И напоследок,правильно записанный и отредактированный миди файл,загружаем в аудиоредактор,"украшаем" его всякими

техн.наворотами,добавляем сэмплы,"цепляем" инструментыVSTi,записываем вокальный трек,микшируем-глядишь,и родился

новый шедевр!Аудио-работа немного отлична от миди и требует своих знаний и навыков.На этом этапе существуют свои

понятия,как сведение,студийный мастеринг,который занимается вопросом монтажного редактирования,производит окончательную

доводку звучания,В некоторых случаях возможно исправление ошибок сведения, особенно если мастеринг производится в

цифровом виде.Для доводки звучания могут использоваться компрессоры (чаще всего многополосные), лимитеры, эквалайзеры,

процессоры для изменения стереообраза или создания эффекта объемного звука, процессоры утепления звука

(создания для цифровой записи эффекта подобия аналоговой) и очень редко различные энхансеры (спектральные процессоры,

динамические эквалайзеры и т. д.). Именно на этой стадии,в специальной студии запись приобретает свой "фирменный" звук,

так что эта часть является наиболее творческой и самой значимой в студийной звукозаписи.

 

Проблемы и ошибки в MIDI-аранжировках.

 

      Здесь можно много говорить. Я бы хотел заострить внимание на регулировке уровней, панорам и частот. Все настройки своего

музыкального полотна аранжировщик должен делать только внутри своих звуковых модулей. То есть, если на этапе аранжировки

используется пульт, микширующий звуки модулей, все фейдеры обязаны быть установлены в ноль (или, скажем, в -5 dB для

цифрового микшера), а панорамы — либо по центру в моно, либо по краям в стерео. Пультовые эквалайзеры и динамика должны

 быть отключены. Аранжировщик ни в коем случае не должен касаться регуляторов пульта — все, что надо, он обязан

производить внутри своей аппаратуры, выдавая на сведение готовую музыку, отрегулированную по уровню, частотам и

панорамам так, как он считает необходимым. Конечно, на этапе микширования все это будет корректироваться, но формат

сдаваемой работы должен быть именно таким.

     При работе с секвенсерами нельзя забывать о таком понятии, как "вертикаль". При недопустимо большом количестве

происходящих одновременно MIDI-событий MIDI-интерфейс принимающего или даже передающего устройства может

"захлебываться". Этим страдали старые Rolland и Ensoniq. Кстати, такой эффект может привести и к запаздыванию старта нот.

Часто это происходит от неграмотности аранжировщика. Чтобы решить эту проблему, можно раздвигать события на минимальные

 кванты с учетом специфических параметров атаки каждого инструмента.

  Кроме того, в большинстве жанров аранжировщик обязан слушать свою работу с отключенными внутренними процессорами

эффектов звуковых модулей, так как именно в таком виде большинство тембров поступят на сведение. По крайней мере,

реверберация точно будет использована внешняя. И, кроме того, необходимо помнить: работа аранжировщика не заканчивается

после сдачи готовой аранжировки. Чуть позже, после записи всех “живых” треков, обязательно придется подкорректировать

MIDI-часть в соответствии с записанным аудиоматериалом. Придется присутствовать и на сведении, выполняя требования

звукорежиссера по отработке нюансов аранжировки.

  Не побоюсь повториться: в аранжировках с использованием звуков традиционных инструментов всегда необходимо помнить о

количестве конечностей у барабанщика и диапазоне инструментов. То есть, в аранжировке, например, рок-музыки, самые большие

ошибки — многоногость и многорукость сидящего за барабанной установкой человека и дикие, даже с учетом нетрадиционных

строев, инфразвуки бас-гитары. Впрочем, и при прописывании партий ритм-гитары, духовых инструментов, арфы, струнных тоже

можно вылететь за диапазон, если не понимать, что происходит. Помимо этого, правильно созданная аранжировка, переведенная в

MIDI-файл, должна работать одинаково на любом секвенсере (для чего необходимо использовать SysEx, устанавливающие прибор

в конкретное состояние). Всегда необходимо уметь сохранять свою работу (особенно при работе сменами). Соблюдение этих правил

является признаком профессионализма аранжировщика.

    Но все это — проблемы опыта и технической грамотности аранжировщика. Главное же — его музыкальная грамотность, талант

 и вкус. Для человека, работающего “на потоке”, важно сохранить творческое начало своего труда.

 

Оборудование.

 

   Понятно, что в дорогой студии со множеством синтезаторов и звуковых модулей инструментальная аранжировка будет звучать

«богаче». Но это и значительно дороже – ведь свести фонограмму на одном Ensoniq гораздо легче и быстрее, чем на студии, у

которой много дополнительных возможностей – тембров, обработок и т. д. Люди иногда часами пробуют разные сочетания роялей,

«стрингов», «брассов» и прочей «синтезни». Если это ваша личная студия – нет проблем! Но если вы за нее платите, считаю, что на

поиск тембров и сведение инструментальной фонограммы не следует тратить более одного-двух часов. В крайнем случае пусть

вам разрешат послушать и подобрать тембры на конкретном синтезаторе отдельно (не в ваше студийное время и хотя бы через

 наушники). Разумеется, такое времяпрепровождение очень увлекательно и заниматься всем этим можно часами. Но я в этих

случаях говорю себе: «Стоп! Фонограмма должна быть целиком готова через час. А потом, возможно, мне и захочется ее

 поправить, улучшить…»Это приучает быстро находить приемлемые варианты, а экспериментировать только после того, когда

хотя бы первый (но вполне готовый) вариант уже имеется. Кроме того, здесь нужно учесть два дополнительных фактора.

 Первый – сам по себе тембр может быть очень хорош (а если это имитация реального инструмента – скрипка, труба, то и

 неотличим от своего первоисточника). Но в аранжировке вся эта прелесть теряется или даже, наоборот, как бы тянет одеяло на

себя, ухудшая общее впечатление от звучания ансамбля. А у другого инструмента тембры потускнее, зато общая картина

 значительно выигрывает. Поэтому если вы нашли хороший тембр, прежде, чем остановиться на нем окончательно, попробуйте

его в аранжировке. Кстати, по этой же причине гениальный ансамблевый барабанщик в большом оркестре может принести

меньше пользы, чем любой другой среднего уровня (который менее индивидуален и не переключает внимание слушателя с общего

 звучания оркестра на слишком яркую игру ударных).

 Второй фактор – нужно писать грамотные аранжировки. Можно подключить сколько угодно самых дорогих сэмплеров и

 звуковых модулей, но не будет хорошо звучать аранжировка, написанная «картошками» (аккорды целыми долями на весь такт),

«гребешками» (арпеджио шестнадцатыми на весь такт) и «пионерами» (кучами несгруппированных восьмых). А грамотная

 аранжировка дает удивительно «живое» ощущение почти на любом (и даже дешевом) «железе».

  Понятие "грамотной" записи может включать в себя различные параметры точной звукопередачи записываемого. Соблюдение

существующих стандартов очень важно. Это определено достаточной степенью несовершенства носителей и другими параметрами

даже самой современной техники звукопередачи, не говоря уже о том, что условия прослушивания, как правило, оставляют

желать лучшего. Кроме технических параметров, конечно же, очень важна музыкально-художественная сторона. В это понятие

уже входит не только обеспечение точной передачи звуковой информации, но и творческая работа, как самих музыкантов, так и

продюсеров, и звукорежиссеров. Успешное выполнение этих двух задач (технической и художественной) дает возможность

оценить запись как "хорошую". Стильная же запись - вещь достаточно неоднозначная. Безусловно, это понятие относится к

эмоциональной стороне восприятия произведения.

    Надеюсь,я смог объяснить мои личные приемы и основные этапы записи аранжировки!

Вопросы мне можете присылать на мою почту:e-babaev@ukr.net или в мою Гостевую,на моем сайте:www.keystudio.narod.ru.

 

Успехов вам в творчестве!